Industry Game Changers / Agentes de Cambio en la Industria
The People Behind the Music / Las Personas Detrás de la Música
The rockstars behind the scenes. Executives, managers, producers, and creatives shaping how music is made, shared, and experienced.
Las estrellas tras escenas. Ejecutivos/as, managers, productores y creativos que están dando forma a cómo se crea, comparte y se vive la música.
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MúsicaPress
Marcos Fermin
(EN)
About Marcos Fermin
Marcos Fermin is a Dominican-born musician, guitarist, sound engineer, music producer, and technology professional based in New York.
His career combines two great passions: music and technology. With an academic background in Information Systems and a deep connection to the world of music, he has developed a vision in which artistic creativity and technological innovation complement each other.
He is the founder of Marcos Fermin Studio, a recording and music production studio located in Far Rockaway, Queens, dedicated to offering professional recording, mixing, mastering, and music production services.
His philosophy is built on the belief that talent shouldn't be limited by geography or by access to big studios. Through his work, he seeks to create a space where independent artists and musicians can develop their ideas, experiment, and turn their projects into professional-quality productions.
3 Questions:
1. You turned Far Rockaway, the last stop on the A train, into a destination for professional music-making. What inspired you to build your own studio, and what message would you give to anyone who dreams of opening their own?
I think it all started with the need for a space where I could create music freely, without depending on other people's schedules, limitations, or decisions.
As a musician, I've always been passionate about the entire production process: from a simple idea, a melody, or a chord progression, all the way to hearing the final result. Over time I realized I wanted to go beyond performing music; I wanted to have the tools and the knowledge to produce it and help other artists bring their ideas to life.
Far Rockaway is a special place for me. Many people see it as far away, because we're practically at the end of the A subway line. However, I've never believed that distance should determine how far a project can go.
I wanted to show that you don't need to be in Manhattan, Brooklyn, or an area traditionally associated with the music industry to do quality work.
My advice for anyone who dreams of opening their own studio is not to wait until they have absolutely everything before starting. A studio isn't built just by buying expensive equipment. It's built by developing your ear, constantly learning, working with discipline and, above all, building relationships of trust with artists.
Equipment is a tool; the real value lies in the knowledge, judgment, and sensitivity of the person using it.
2. You listen to a huge number of projects before they're mixed and mastered. What do you recommend artists have well prepared before sending you their projects?
The first thing I always recommend is having a clear vision of what they want to communicate with their music.
A good mix starts long before a session is opened in the studio. It starts with good songwriting, a solid performance, and a well-done recording.
When an artist sends me a project, there are several aspects I consider important:
Organization: Tracks should be clearly labeled, exported from the same starting point, and preferably in WAV format, keeping their original resolution.
Recording quality: Vocals and instruments should be recorded without unwanted distortion, excessive noise, or technical problems that could affect the result.
Musical references: It's always helpful to receive two or three songs that represent the sound, energy, or direction the artist is looking for.
Communication: It's important for the artist to explain which elements they consider essential in their song and what emotions they want to convey.
Artistic preparation: Before mixing, I recommend making sure the takes, arrangements, and creative decisions are as defined as possible.
Something I always like to remind people is that mixing and mastering aren't magic processes that fix every problem in a production.
A good mix can transform the way we perceive a song, but it doesn't replace a good performance or a good production.
For me, the best result happens when the artist and the engineer work as a team, with open communication and a shared artistic goal.
3. Home studios, AI tools, and online courses keep changing the way music is made. How do you think these changes will influence the role of the professional engineer and producer in the coming years?
I think we're living through one of the most interesting moments in the history of music production.
Today, a person can produce a song from their bedroom with tools that twenty years ago would have required an enormous investment. That has democratized access to music creation, and I consider that very positive.
Artificial intelligence is also changing our industry. There are already tools capable of assisting with editing, audio restoration, instrument separation, and even generating musical ideas.
Personally, because of my background in both technology and music, I see these advances as opportunities rather than threats.
However, there's something I consider fundamental: technology can automate processes, but it doesn't fully replace artistic judgment, human sensitivity, or the emotional connection behind a great production.
A professional engineer isn't simply someone who knows how to use an equalizer or a compressor. It's someone who listens, interprets an artistic intention, makes decisions, and helps a song communicate what its creator truly wants to express.
I believe that in the coming years the role of the engineer and producer will evolve into a combination of technical knowledge, creativity, artistic direction, and the ability to integrate new technologies.
Professionals who resist learning will probably face greater challenges. But those who know how to adapt, use artificial intelligence responsibly, and maintain their creative identity will have extraordinary opportunities.
At the end of the day, people don't connect emotionally with a song because it was produced with the most advanced software. They connect because that music makes them feel something.
Technology will keep evolving, but music will always need humanity.
(ES)
Sobre Marcos Fermin
Marcos Fermin es músico, guitarrista, ingeniero de sonido, productor musical y profesional de tecnología de origen dominicano, radicado en Nueva York.
Su trayectoria combina dos grandes pasiones: la música y la tecnología. Con una formación académica en Sistemas de Información y una profunda conexión con el mundo musical, ha desarrollado una visión en la que la creatividad artística y la innovación tecnológica se complementan.
Es fundador de Marcos Fermin Studio, un estudio de grabación y producción musical ubicado en Far Rockaway, Queens, dedicado a ofrecer servicios profesionales de grabación, mezcla, masterización y producción musical.
Su filosofía se basa en que el talento no debería estar limitado por la ubicación geográfica ni por el acceso a grandes estudios. A través de su trabajo, busca crear un espacio donde artistas independientes y músicos puedan desarrollar sus ideas, experimentar y convertir sus proyectos en producciones de calidad profesional.
3 Preguntas:
1. Convertiste Far Rockaway, en la última parada del tren A, en un destino para hacer música profesional. ¿Qué te inspiró a construir tu propio estudio, y qué mensaje le darías a quien sueña con abrir el suyo?
Creo que todo comenzó con la necesidad de tener un espacio donde pudiera crear música con libertad, sin depender de los horarios, las limitaciones o las decisiones de otras personas.
Como músico, siempre me ha apasionado el proceso completo de una producción: desde una idea sencilla, una melodía o una progresión de acordes, hasta escuchar el resultado final. Con el tiempo entendí que quería ir más allá de interpretar música; quería tener las herramientas y el conocimiento para producirla y ayudar a otros artistas a materializar sus ideas.
Far Rockaway es un lugar especial para mí. Muchas personas lo ven como un sitio lejano, porque estamos prácticamente al final de la línea A del subway. Sin embargo, nunca he pensado que la distancia deba determinar hasta dónde puede llegar un proyecto.
Quise demostrar que no necesitas estar en Manhattan, Brooklyn o en una zona tradicionalmente asociada con la industria musical para hacer un trabajo de calidad.
Mi consejo para quien sueña con abrir su propio estudio es que no espere a tener absolutamente todo para comenzar. Un estudio no se construye solamente comprando equipos costosos. Se construye desarrollando el oído, aprendiendo constantemente, trabajando con disciplina y, sobre todo, creando relaciones de confianza con los artistas.
Los equipos son herramientas; el verdadero valor está en el conocimiento, el criterio y la sensibilidad de quien los utiliza.
2. Escuchas muchísimos proyectos antes de que se mezclen y mastericen. ¿Qué les recomiendas a los artistas que tengan bien preparado antes de enviarte sus proyectos?
Lo primero que siempre recomiendo es tener una visión clara de lo que quieren comunicar con su música.
Una buena mezcla comienza mucho antes de abrir una sesión en el estudio. Comienza con una buena composición, una interpretación sólida y una grabación bien realizada.
Cuando un artista me envía un proyecto, hay varios aspectos que considero importantes:
Organización: Que las pistas estén correctamente identificadas, exportadas desde el mismo punto de inicio y preferiblemente en formato WAV, conservando su resolución original.
Calidad de grabación: Que las voces e instrumentos estén grabados sin distorsiones no deseadas, ruidos excesivos o problemas técnicos que puedan afectar el resultado.
Referencias musicales: Siempre es útil recibir dos o tres canciones que representen el sonido, la energía o la dirección que el artista busca.
Comunicación: Es importante que el artista explique qué elementos considera esenciales en su canción y qué emociones quiere transmitir.
Preparación artística: Antes de mezclar, recomiendo asegurarse de que las tomas, los arreglos y las decisiones creativas estén lo más definidos posible.
Algo que siempre me gusta recordar es que la mezcla y la masterización no son procesos mágicos que solucionan cualquier problema de una producción.
Una buena mezcla puede transformar la manera en que percibimos una canción, pero no sustituye una buena interpretación ni una buena producción.
Para mí, el mejor resultado ocurre cuando el artista y el ingeniero trabajan como un equipo, con comunicación abierta y un objetivo artístico compartido.
3. Los home studios, las herramientas de IA y los cursos en línea siguen cambiando la forma de hacer música. ¿Cómo crees que estos cambios van a influenciar el rol del ingeniero y productor profesional en los próximos años?
Pienso que estamos viviendo uno de los momentos más interesantes de la historia de la producción musical.
Hoy una persona puede producir una canción desde su habitación con herramientas que hace veinte años habrían requerido una inversión enorme. Eso ha democratizado el acceso a la creación musical, y considero que es algo muy positivo.
La inteligencia artificial también está cambiando nuestra industria. Ya existen herramientas capaces de asistir en tareas de edición, restauración de audio, separación de instrumentos e incluso generación de ideas musicales.
Personalmente, por mi formación tanto en tecnología como en música, veo estos avances como oportunidades más que como amenazas.
Sin embargo, hay algo que considero fundamental: la tecnología puede automatizar procesos, pero no reemplaza completamente el criterio artístico, la sensibilidad humana ni la conexión emocional que existe detrás de una gran producción.
Un ingeniero profesional no es simplemente alguien que sabe utilizar un ecualizador o un compresor. Es una persona que escucha, interpreta una intención artística, toma decisiones y ayuda a que una canción comunique lo que su creador realmente quiere expresar.
Creo que en los próximos años el rol del ingeniero y del productor evolucionará hacia una combinación de conocimientos técnicos, creatividad, dirección artística y capacidad para integrar nuevas tecnologías.
Los profesionales que se resistan a aprender probablemente encontrarán mayores dificultades. Pero quienes sepan adaptarse, utilizar la inteligencia artificial de manera responsable y mantener su identidad creativa tendrán oportunidades extraordinarias.
Al final del día, la gente no conecta emocionalmente con una canción porque fue producida con el software más avanzado. Conecta porque esa música le hace sentir algo.
La tecnología seguirá evolucionando, pero la música siempre necesitará humanidad.
Martín Ramicone
(EN)
About Martín Ramicone
Martín Ramicone is an Argentine manager and producer, and the founder and director of daChance Music. He has worked in the music industry since 2000, building a career that spans live show production, communications, and artist development.Over these 26 years, he has been involved in projects connected to Attaque 77, Los Fabulosos Cadillacs, The Wailers, Groove Armada, and Pitty, among others, and in festivals such as SWU, whose lineup brought together Rage Against the Machine, Dave Matthews Band, Incubus, and Pixies. Based in Brazil, he now focuses on developing independent artists and expanding their international reach. Through daChance Music, he supports artists' career planning, coordinates release campaigns, and seeks out collaboration and live performance opportunities across Latin America and Europe. His approach starts with getting to know each project, defining achievable goals, and working consistently to turn them into concrete progress.
3 Questions:
1. You've spent more than 26 years moving artists between Argentina, Brazil, the rest of Latin America, and Europe. What do you think a project needs to be ready to leave its home country, and what sets apart the artists who manage to sustain an international career?
To take a music career international, it's essential to build a cooperative economy based on strategic alliances that benefit everyone involved. Collaborations, exchanges, and trades make it possible to access services by offering, in return, work, knowledge, or skills the artist already applies in their own project and that can be valuable to others.The key is choosing those alliances well and setting clear agreements: what each party contributes and what it receives in return. When the benefit is mutual, resources circulate, opportunities expand, and growth becomes collective.
2. You started daChance in 2000, before streaming and social media. What has changed the most in how a music career is built, and what do you notice is still exactly the same?
Timeframes have gotten shorter in every sense. Listeners struggle to dedicate time to a full album, and many artists feel they can't wait for their careers to mature. The pressure for immediate results leads them to skip stages and work at the pace of technology and trends.The way people consume music has changed, and with it, how the industry works. However, live shows and merchandise sales remain essential sources of income for many artists. That's why building an audience willing to buy a ticket and stand behind a project is just as necessary as getting a song to circulate.
3. Looking ahead to the next five years, what change in the Latin American music industry excites you the most?
I'm excited to see the new generation of musicians and to discover how many extraordinary artists there are, both in our region and around the world. The talent is enormous; what's missing are spaces and opportunities for that music to reach more people. There's so much to discover, and so much that deserves to be heard.
(ES)
Sobre Martín Ramicone
Martín Ramicone es manager y productor argentino, fundador y director de daChance Music. Desde 2000 trabaja en la industria musical, con una trayectoria que reúne producción de espectáculos, comunicación y desarrollo de artistas.A lo largo de estos 26 años, participó en proyectos vinculados a Attaque 77, Los Fabulosos Cadillacs, The Wailers, Groove Armada y Pitty, entre otros, y en festivales como SWU, cuya programación reunió a Rage Against the Machine, Dave Matthews Band, Incubus y Pixies.Radicado en Brasil, hoy concentra su trabajo en el desarrollo de artistas independientes y su proyección internacional. Desde daChance Music, acompaña la planificación de sus carreras, coordina acciones de lanzamiento y busca oportunidades de colaboración y presentaciones en vivo en Latinoamérica y Europa. Su enfoque parte de conocer cada proyecto, definir objetivos posibles y trabajar con continuidad para convertirlos en avances concretos.
3 Preguntas:
1. Llevás más de 26 años moviendo artistas entre Argentina, Brasil, el resto de Latinoamérica y Europa. ¿Qué considerás que tiene que tener un proyecto para estar listo para salir de su país, y qué diferencia a los artistas que logran sostener una carrera internacional?
Para internacionalizar una carrera musical, es fundamental construir una economía cooperativa basada en alianzas estratégicas que beneficien a todas las partes. Las colaboraciones, los intercambios y las permutas permiten acceder a servicios ofreciendo a cambio trabajo, conocimientos o habilidades que el artista ya aplica en su propio proyecto y que pueden ser valiosos para otros.La clave está en elegir bien esas alianzas y establecer acuerdos claros: qué aporta cada parte y qué recibe a cambio. Cuando el beneficio es mutuo, los recursos circulan, se amplían las oportunidades y el crecimiento se vuelve colectivo.
2. Empezaste daChance en el 2000, antes del streaming y las redes. ¿Qué cambió más en cómo se construye una carrera musical, y qué notás que sigue exactamente igual?
Los tiempos se acortaron en todos los sentidos. Al oyente le cuesta dedicarle tiempo a un disco completo y muchos artistas sienten que no pueden esperar a que su carrera madure. La presión por obtener resultados inmediatos lleva a saltarse etapas y a trabajar al ritmo de la tecnología y las tendencias.Cambió la forma de consumir música y, con ella, el funcionamiento de la industria. Sin embargo, los shows y la venta de merchandising siguen siendo fuentes de ingresos fundamentales para muchos artistas. Por eso, desarrollar un público dispuesto a comprar una entrada y acompañar un proyecto sigue siendo tan necesario como lograr que una canción circule.
3. Mirando los próximos cinco años, ¿qué cambio en la industria musical latinoamericana te entusiasma más?
Me entusiasma ver a la nueva generación de músicos y descubrir la cantidad de artistas extraordinarios que hay, tanto en nuestra región como en el resto del mundo. El talento es enorme; lo que falta son espacios y oportunidades para que esa música llegue a más personas. Hay mucho por descubrir y mucho que merece ser escuchado.
Aural Sounds
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(EN)
About Aural Sounds
Matías Romero Acuña is an Argentine multi-instrumentalist musician, music producer, and sound therapist. His path brings together music, production, and the exploration of sound as a tool to support processes of meditation, introspection, and wellbeing.
For about ten years he has been researching and working within the world of Sound Healing, combining acoustic instruments such as handpan, flutes, singing bowls, guitar, charango/ronroco, percussion, didgeridoo, and other organic instruments with music production, synthesis, soundscapes, and different technologies applied to sound.
Through Aural Sounds he has worked with therapists, meditation and breathwork facilitators, content creators, wellness apps, artists, and projects from different parts of the world, developing both original custom music and a broad catalog of music for meditation and wellbeing.
Rather than thinking of music only as something to be listened to, he's interested in exploring it as a space that can hold an experience.
Mission
Aural Sounds was born with the intention of creating conscious music: music that doesn't seek only to occupy a sonic space, but to accompany it.
The purpose is to contribute to projects and experiences that promote a deeper relationship with listening, the body, nature, and one's own inner world.
That same vision extends to the project's environmental commitment, dedicating part of every purchase to planting trees. For Matías, it makes sense that a project working with wellbeing and consciousness should also seek to give something concrete back, even on a small scale, to the environment we're part of.
3 Questions:
1) Aural Sounds combines sound healing with an ecological mission — planting a tree for every purchase. What first connected your music with that environmental commitment, and how does that value influence the way you compose?
For me the connection between music and nature has always been fairly organic.
A large part of what we do within Sound Healing consists precisely of learning to listen again: listening to the body, to silences, to resonances, to cycles, and to everything that often stays hidden behind everyday noise. And that way of listening has a lot in common with our relationship with nature.
Over time I felt it didn't make much sense to talk about consciousness or wellbeing through music without also asking myself what kind of footprint I wanted the project to leave in the material world.
That's where the initiative of planting a tree for every purchase made through Aural Sounds comes from. It's a small action, but I like to think that every piece of music that comes out of the studio can also have a concrete consequence outside of it.
This also runs through the way I compose. I work a lot with organic instruments, sounds of water, wind, rain, birds, and different soundscapes. But beyond using sounds from nature, I try to learn from its dynamics: leaving space, not saturating, allowing cycles, movement, breath, and silence.
2) You work both on custom scores for meditation and on a royalty-free library, combining real and virtual instruments. How do you approach a new commission? What's the process from the client's vision to the final healing track?
For me the first step is always to listen.
Before producing, I need to understand what experience the person wants to create: who the music is for, in what context it will be used, what length it needs, what emotions it should accompany, and especially, what things shouldn't happen musically.
This last part is very important because music for meditation, breathwork, or therapeutic practices often needs to learn not to demand the spotlight. From that conversation I start building a sonic identity for the project. I can combine recordings of real instruments with virtual textures, ambiences, synthesis, specific frequencies, binaural tones, or different spatialization techniques, but I try to make sure technology is never the center of the experience.
After that comes a fairly artisanal process of composition, recording, editing, mixing, and listening. I work a lot on small details: how long a note stays, when an instrument comes in, how much silence a section needs, or whether a particular sound supports the practice or distracts from it. Finally I share a first version with the client and an exchange process begins. For me that feedback isn't just a "revision"; it's part of the creative process. The intention is for the final piece to truly represent the experience that person wanted to offer.
3) Sound healing sits at an interesting crossroads between music and wellbeing. What do you want listeners (or the artists/brands licensing your work) to feel? And where do you see this niche of the music industry heading?
There's something that interests me even more than provoking a specific emotion: creating the conditions for each person to be able to meet their own experience.
I don't always want someone to "feel calm," for example. Sometimes a practice needs introspection, depth, movement, expansion, or simply a space safe enough to be able to stop and listen.
That's why I try to make the music accompany without imposing.
When I work with therapists, facilitators, artists, or brands, I also want them to feel that the music is truly in service of their proposal, and not that they've simply placed a background track behind it.
I believe the world of Sound Healing and audio applied to wellbeing will keep growing a great deal in the coming years. There's more and more interest in meditation, breathwork, sleep, nervous system regulation, immersive experiences, and wellness apps.
At the same time, I think the challenge will be preserving the human dimension within that growth.We have extraordinary technologies now and can generate practically infinite sounds. Precisely because of that, I think the real value will increasingly lie in the intention, sensitivity, listening, and judgment with which we use those tools.
I'm very interested in that meeting point: tradition and innovation, ancestral instruments and contemporary technology, nature and digital production.
I believe there's still an enormous territory to explore there.
(ES)
Sobre Aural Sounds
Matías Romero Acuña es un músico multiinstrumentista, productor musical y terapeuta de sonido argentino. Su recorrido une la música, la producción y la exploración del sonido como herramienta para acompañar procesos de meditación, introspección y bienestar.
Desde hace alrededor de diez años investiga y trabaja dentro del universo del Sound Healing, combinando instrumentos acústicos como handpan, flautas, cuencos, guitarra, charango/ronroco, percusión, didgeridoo y otros instrumentos orgánicos con producción musical, síntesis, paisajes sonoros y diferentes tecnologías aplicadas al sonido.
A través de Aural Sounds ha trabajado con terapeutas, facilitadores de meditación y breathwork, creadores de contenido, aplicaciones de bienestar, artistas y proyectos de diferentes partes del mundo, desarrollando tanto música original personalizada como un amplio catálogo de música para meditación y bienestar.
Más que pensar la música únicamente como algo que se escucha, le interesa explorarla como un espacio que puede sostener una experiencia.
Misión
Aural Sounds nace con la intención de crear música consciente: música que no busque únicamente ocupar un espacio sonoro, sino acompañarlo.
El propósito es contribuir a proyectos y experiencias que promuevan una relación más profunda con la escucha, el cuerpo, la naturaleza y el propio mundo interno.
Esa misma visión se extiende al compromiso ambiental del proyecto, destinando parte de cada compra a la plantación de árboles. Para Matías tiene sentido que un proyecto que trabaja con bienestar y consciencia también busque generar, aunque sea a pequeña escala, una devolución concreta hacia el entorno del que formamos parte.
3 Preguntas:
1) Aural Sounds combina la sanación a través del sonido con una misión ecológica —plantando un árbol por cada compra. ¿Qué fue lo que conectó por primera vez tu música con ese compromiso ambiental, y cómo influye ese valor en la forma en que compones?
Para mí la conexión entre música y naturaleza siempre fue bastante orgánica.
Gran parte de lo que hacemos dentro del Sound Healing consiste justamente en volver a escuchar: escuchar el cuerpo, los silencios, las resonancias, los ciclos y todo aquello que muchas veces queda oculto detrás del ruido cotidiano. Y esa forma de escucha tiene mucho en común con nuestra relación con la naturaleza.
Con el tiempo sentí que no tenía demasiado sentido hablar de consciencia o bienestar desde la música sin preguntarme también qué tipo de huella quería dejar el proyecto en el mundo material.
De ahí surge la iniciativa de plantar un árbol por cada compra realizada en Aural Sounds. Es una acción pequeña, pero me gusta pensar que cada pieza musical que sale del estudio puede tener también una consecuencia concreta fuera de él.
Esto también atraviesa mi forma de componer. Trabajo mucho con instrumentos orgánicos, sonidos de agua, viento, lluvia, aves y diferentes paisajes sonoros. Pero más allá de utilizar sonidos de la naturaleza, intento aprender de su dinámica: dejar espacio, no saturar, permitir ciclos, movimiento, respiración y silencio.
2) Trabajas tanto en partituras personalizadas para meditación como en una biblioteca libre de regalías, combinando instrumentos reales y virtuales. ¿Cómo abordas un nuevo encargo? ¿Cuál es el proceso desde la visión del cliente hasta la pista final de sanación?
El primer paso para mí es siempre escuchar.
Antes de producir, necesito comprender qué experiencia quiere crear la persona: para quién es la música, en qué contexto se va a utilizar, qué duración necesita, qué emociones debería acompañar y, especialmente, qué cosas no deberían suceder musicalmente.
Esto último es muy importante porque la música para meditación, breathwork o prácticas terapéuticas muchas veces necesita aprender a no reclamar protagonismo.
A partir de esa conversación comienzo a construir una identidad sonora para el proyecto. Puedo combinar grabaciones de instrumentos reales con texturas virtuales, ambientes, síntesis, frecuencias específicas, tonos binaurales o distintas técnicas de espacialización, pero intento que la tecnología nunca sea el centro de la experiencia.
Después viene un proceso bastante artesanal de composición, grabación, edición, mezcla y escucha.Trabajo mucho en los pequeños detalles: cuánto tiempo permanece una nota, cuándo aparece un instrumento, cuánto silencio necesita una sección o si determinado sonido acompaña la práctica o distrae de ella.
Finalmente comparto una primera versión con el cliente y comienza una instancia de intercambio. Para mí esa devolución no es solamente una "revisión"; forma parte del proceso creativo. La intención es que la pieza final pueda representar verdaderamente la experiencia que esa persona quería ofrecer.
3) La sanación a través del sonido se encuentra en un cruce interesante entre música y bienestar. ¿Qué quieres que sientan los oyentes (o los artistas/marcas que licencian tu trabajo)? ¿Y hacia dónde ves que se dirige este nicho de la industria musical?
Hay algo que me interesa incluso más que provocar una emoción específica: crear las condiciones para que cada persona pueda encontrarse con su propia experiencia.
No siempre quiero que alguien "sienta calma", por ejemplo. A veces una práctica necesita introspección, profundidad, movimiento, expansión o simplemente un espacio suficientemente seguro para poder detenerse y escuchar.
Por eso intento que la música acompañe sin imponer.
Cuando trabajo con terapeutas, facilitadores, artistas o marcas, busco también que puedan sentir que la música está realmente al servicio de su propuesta y no que simplemente hayan colocado una pista de fondo detrás de ella.
Creo que el universo del Sound Healing y del audio aplicado al bienestar va a continuar creciendo muchísimo durante los próximos años. Cada vez existe más interés por la meditación, el breathwork, el sueño, la regulación del sistema nervioso, las experiencias inmersivas y las aplicaciones de bienestar.
Al mismo tiempo, creo que el desafío será conservar la dimensión humana dentro de ese crecimiento. Tenemos tecnologías extraordinarias y actualmente podemos generar sonidos prácticamente infinitos. Justamente por eso creo que el verdadero valor estará cada vez más en la intención, la sensibilidad, la escucha y el criterio con el que utilizamos esas herramientas.
Me interesa mucho ese lugar de encuentro: tradición e innovación, instrumentos ancestrales y tecnología contemporánea, naturaleza y producción digital.
Creo que hay allí un territorio enorme todavía por explorar.
Stanley C.
(EN)
About Stanley C.
With over a decade of experience covering music, Stanley has built a reputation for insightful, accessible writing that speaks to musicians and listeners alike. He shares practical advice for early-stage musicians, offers guidance to fellow indie music writers, and breaks down music industry trends for casual listeners looking to understand the bigger picture.
On Medium, he serves as an editor for the music publication Music For Thought, and he also writes for his Substack newsletter, where he has built an audience of over 1,000 followers.
Beyond his writing, Stanley hosts the podcast If Ever You're Listening, where he sits down with musicians, professors, journalists, and other industry professionals to explore the inner workings of the music world.
He is a member of The Recording Academy and is currently pursuing his graduate degree at Columbia Journalism School. When he isn't researching his next article, he can usually be found deep in a book series at his local café — or catching a live show somewhere in New York City.
3 Questions:
1. You've spent 10+ years covering the music industry as a journalist — what's one shift you've seen in how artists build their careers that most people outside the industry don't realize yet?
I think a lot of folks don’t realize that more artists are breaking through without having initial major label support. This is a stark difference from rising stars in previous generations. The vast majority used to get a ton of industry-based promotion via radio shows and TV shows (think MTV, TRL, 106 & Park). Now, since the barrier to entry is more democratized via social media + streaming services, an artist can break without even a distribution deal. All they need is an online audience, which they can build independently. Major labels now function as a marketing amplifier once an artist already has a sizable audience (ideally 10,000 committed fans).
2. After interviewing so many music industry professionals on your podcast, is there a piece of advice or insight that came up that completely changed how you think about the business — something you'd pass on to an emerging artist?
Figure out what makes you stand out and lean into it. People hate on difference, but people also love on it. Be chalant with your uniqueness because that’s what’s going to make you stand out. It will also be the thing that will help folks connect with you as an artist.
3. What drew you to focus specifically on the intersection of music journalism and artist development, and what do you hope listeners/readers walk away understanding about the industry that they wouldn't get anywhere else?
I started out writing about trends in the music industry. I would share my thoughts about cultural appropriation, the globalization of music, posthumous albums, artists selling their masters, etc. Mostly students would reach out and ask to interview me in those days. They would reference me in their thesis papers or final projects on a similar music topic. I realize that a lot of the thoughts I had were artist-centric.
For my master's, I wrote extensively about artists keeping them, so that they had a reliable asset. For posthumous albums, I wrote passionately about how artists need to be able to give clearer permission in their early contracts about the use of their released and unreleased music after they pass away. To help artists see my work, I started a podcast and had many artists on it so they could share their story with other artists. I used that as a funnel for artists to see the rest of my essays on Medium and Substack and really absorb the tips I share there for their development.
(ES)
Sobre Stanley C.
Con más de una década de experiencia cubriendo música, Stanley se ha ganado la reputación de tener una escritura perspicaz y accesible que conecta tanto con músicos como con oyentes. Comparte consejos prácticos para músicos que están comenzando, ofrece orientación a otros escritores de música independientes, y desglosa las tendencias de la industria musical para oyentes casuales que buscan entender el panorama general.
En Medium, se desempeña como editor de la publicación musical Music For Thought, y también escribe para su boletín de Substack, donde ha construido una audiencia de más de 1,000 suscriptores.
Más allá de su escritura, Stanley conduce el podcast If Ever You're Listening, donde conversa con músicos, profesores, periodistas y otros profesionales de la industria para explorar el funcionamiento interno del mundo de la música.
Es miembro de The Recording Academy y actualmente cursa su posgrado en la Escuela de Periodismo de Columbia. Cuando no está investigando su próximo artículo, generalmente se le puede encontrar sumergido en una saga de libros en su café local, o disfrutando de un concierto en vivo en algún lugar de la ciudad de Nueva York.
3 Preguntas:
1. Has pasado más de 10 años cubriendo la industria musical como periodista. ¿Cuál es un cambio que has notado en la forma en que los artistas construyen sus carreras que la mayoría de las personas fuera de la industria aún no perciben?
Creo que muchas personas no se dan cuenta de que cada vez más artistas están triunfando sin el apoyo inicial de un sello discográfico importante. Esto es una diferencia marcada con respecto a las estrellas emergentes de generaciones anteriores. La gran mayoría solía recibir mucha promoción por parte de la industria a través de programas de radio y televisión (piensa en MTV, TRL, 106 & Park). Ahora, como la barrera de entrada se ha democratizado gracias a las redes sociales y los servicios de streaming, un artista puede triunfar incluso sin un contrato de distribución. Todo lo que necesita es una audiencia en línea, la cual puede construir de forma independiente. Los sellos discográficos importantes ahora funcionan como un amplificador de marketing una vez que el artista ya cuenta con una audiencia considerable (idealmente 10,000 fans comprometidos).
2. Después de entrevistar a tantos profesionales de la industria musical en tu podcast, ¿hay algún consejo o idea que haya surgido y que haya cambiado por completo tu forma de pensar sobre el negocio, algo que le transmitirías a un artista emergente?
Descubre qué te hace destacar y apóyate en eso. La gente odia la diferencia, pero la gente también la ama. No seas indiferente con tu diferencia — sé, sin miedo, diferente. Eso es lo que te hará destacar. También será lo que ayude a la gente a conectar contigo como artista.
3. ¿Qué te llevó a enfocarte específicamente en la intersección entre el periodismo musical y el desarrollo artístico, y qué esperas que tus oyentes/lectores se lleven sobre la industria que no encontrarían en ningún otro lugar?
Empecé escribiendo sobre tendencias en la industria musical. Compartía mis reflexiones sobre la apropiación cultural, la globalización de la música, los álbumes póstumos, los artistas que venden sus masters, entre otros temas. En esos días, la mayoría de las personas que me contactaban eran estudiantes que pedían entrevistarme. Me citaban en sus tesis o proyectos finales sobre temas musicales similares. Me di cuenta de que muchas de mis reflexiones estaban centradas en el artista.
Para mi maestría, escribí extensamente sobre que los artistas conservaran sus masters, para que contaran con un activo confiable. En cuanto a los álbumes póstumos, escribí con pasión sobre la necesidad de que los artistas puedan dar un permiso más claro en sus contratos iniciales sobre el uso de su música publicada e inédita después de su fallecimiento. Para ayudar a que los artistas conocieran mi trabajo, comencé un podcast e invité a muchos artistas para que compartieran su historia con otros artistas. Lo usé como un embudo para que los artistas descubrieran el resto de mis ensayos en Medium y Substack, y realmente absorbieran los consejos que comparto ahí para su desarrollo.
Tumbao' Media Productions
(EN)
About
Tumbao Media PR is an agency specializing in public relations, strategic communications, and positioning for artists, record labels, and professionals in the Latin music industry. With a vision focused on amplifying authentic stories and connecting talent with global audiences, the agency develops press campaigns, brand strategies, and media visibility initiatives that strengthen its clients’ presence in an increasingly competitive market.
Its work stands out for combining the traditions of tropical music with new digital consumption dynamics, contributing to the growth and international reach of both emerging and established artists.
Mission
Our mission is to drive the sustainable growth of artists and music projects through communication strategies that generate real impact, credibility, and meaningful connections with audiences. We believe that a successful artistic career is built not only on great music, but also on a strong narrative, a consistent brand, and meaningful relationships with media, platforms, and industry partners.
We aim to contribute to the growth and strengthening of Latin and tropical music by helping more talent find opportunities to transcend borders.
3 Questions:
1. The Latin and tropical music scene continues to evolve globally. What changes are you currently seeing that you believe will have the greatest impact on artists and the industry?
We are seeing an unprecedented democratization of access to promotion, distribution, and content-creation tools. Today, an independent artist can reach international audiences without relying exclusively on traditional industry structures. At the same time, artificial intelligence, data analytics, and short-form content platforms are transforming the way music is discovered and consumed.
For tropical music, this represents a tremendous opportunity. Genres with strong cultural roots, such as salsa, merengue, and bachata, are finding new audiences through digital strategies that allow these sounds to be presented in fresh and relevant ways for younger generations.
2. Based on your experience working with independent artists and record labels, what is one thing you wish more artists understood about developing their careers and getting their music in front of more people?
I would like more artists to understand that a strong career is built through strategy and consistency, not solely through music releases. Music is the core product, but growth happens when there is a clear brand vision, an authentic narrative, and consistent communication with fans.
Many artists expect immediate results, when in reality, audience development, building relationships with the media, and establishing an artistic identity all take time. Those who invest in planning, quality content, and professional relationships are generally better prepared to take advantage of opportunities when they arise.
3. What excites you most about the future of tropical music, and what role do you see Tumbao Media playing in that future?
What excites me most is seeing how tropical music continues to reinvent itself without losing its essence. We are witnessing a new generation of artists who respect the genre’s roots while incorporating contemporary influences that expand its global reach.
In that context, I see Tumbao Media PR as a bridge between talent and opportunity. Our goal is to help more artists, producers, and projects connected to Latin and tropical music develop a strong media presence, tell their stories effectively, and reach new audiences. We want to be part of the growth of a more diverse, innovative, and internationally connected industry.
(ES)
Sobre Tumbao Media PR
Tumbao Media PR es una agencia especializada en relaciones públicas, comunicación estratégica y posicionamiento para artistas, sellos discográficos y profesionales de la industria de la música latina. Con una visión enfocada en amplificar historias auténticas y conectar el talento con audiencias globales, la agencia trabaja en el desarrollo de campañas de prensa, estrategias de marca y visibilidad mediática que fortalecen la presencia de sus clientes en un mercado cada vez más competitivo.
Su trabajo destaca por combinar la tradición de la música tropical con las nuevas dinámicas de consumo digital, contribuyendo al crecimiento y proyección internacional de artistas emergentes y consolidados.
Misión
Nuestra misión es impulsar el crecimiento sostenible de artistas y proyectos musicales mediante estrategias de comunicación que generen impacto real, credibilidad y conexión con las audiencias. Creemos que una gran carrera artística se construye no solo con buena música, sino también con una narrativa sólida, una marca consistente y relaciones significativas con medios, plataformas y aliados de la industria.
Buscamos contribuir al fortalecimiento de la música latina y tropical, ayudando a que más talentos encuentren oportunidades para trascender fronteras.
3 Preguntas:
1. La escena de la música latina y tropical continúa evolucionando a nivel global. ¿Qué cambios estás viendo actualmente que crees que tendrán el mayor impacto en los artistas y en la industria?
Estamos viendo una democratización sin precedentes en el acceso a herramientas de promoción, distribución y creación de contenido. Hoy, un artista independiente puede llegar a audiencias internacionales sin depender exclusivamente de las estructuras tradicionales de la industria. Al mismo tiempo, la inteligencia artificial, el análisis de datos y las plataformas de contenido corto están transformando la manera en que se descubre y consume la música.
Para la música tropical, esto representa una gran oportunidad. Los géneros con fuertes raíces culturales, como la salsa, el merengue y la bachata, están encontrando nuevas audiencias gracias a estrategias digitales que permiten presentar estos sonidos de manera fresca y relevante para las nuevas generaciones.
2. Desde tu experiencia trabajando con artistas y sellos independientes, ¿qué es algo que te gustaría que más artistas entendieran sobre cómo desarrollar sus carreras y lograr que su música llegue a más personas?
Me gustaría que más artistas entendieran que una carrera sólida se construye con estrategia y consistencia, no únicamente con lanzamientos musicales. La música es el producto principal, pero el crecimiento sucede cuando existe una visión clara de marca, una narrativa auténtica y una comunicación constante con los fans.
Muchos artistas esperan resultados inmediatos, cuando en realidad el desarrollo de audiencia, la construcción de relaciones con medios y la consolidación de una identidad artística requieren tiempo. Aquellos que invierten en planificación, contenido de calidad y relaciones profesionales suelen estar mejor preparados para aprovechar las oportunidades cuando llegan.
3. ¿Qué es lo que más te entusiasma del futuro de la música tropical y qué papel ves desempeñando a Tumbao’ Media en ese futuro?
Lo más emocionante es ver cómo la música tropical continúa reinventándose sin perder su esencia. Estamos observando una nueva generación de artistas que respeta las raíces del género mientras incorpora influencias contemporáneas que amplían su alcance global.
En ese contexto, veo a Tumbao’ Media PR como un puente entre el talento y las oportunidades. Nuestro objetivo es ayudar a que
más artistas, productores y proyectos vinculados a la música latina y tropical desarrollen una presencia mediática sólida, cuenten sus historias de manera efectiva y alcancen nuevas audiencias. Queremos ser parte del crecimiento de una industria más diversa, innovadora y conectada a nivel internacional.