A&R Spotlight
Discovering Talent at its Core.
Descubriendo el talento en su esencia.
Spotlighting emerging artists and creatives. Empowering their voices.
Destacando a artistas emergentes y creativos. Empoderando sus voces.
Manuel Leandro
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(EN)
Location: Cuba / Dominican Republic
Genres: Rock / Pop / Folk / Latin-American Indie
Song to Check Out: "Ritual de Huida"
About Manuel Leandro
Manuel Leandro is a Cuban singer-songwriter, guitarist, and composer with over a decade of experience. His work moves between singer-songwriter music, trova, Latin folk, and rock rooted in Latin America, marked by a strong poetic sensibility and a constant exploration of themes such as love, identity, freedom, and the human condition.
His artistic career is also linked to literature and the promotion of Cuba's new song movement. In 2012 he published Quiero una canción: jóvenes trovadores cubanos, an anthology of new voices in Cuban song that he compiled for Ediciones La Luz, with a prologue by Víctor Casaus. He later published Del aire soy, a songbook gathering his own compositions, also under the Ediciones La Luz label.
Throughout his career he has shared stages with figures of Latin American song such as Cecilia Todd, Sandino Primera, Ricardo Flecha, and Augusto Blanca, among others.
In 2023 he released Mortal, his first studio album, published by BIS Music and produced together with Javier Pérez Rey. The album was among the nominees for the 2023 Cubadisco Awards in the New Trova category.
Now based in the Dominican Republic, Manuel Leandro is developing a new stage of his career marked by emigration and personal reconstruction. In 2026 he released Ritual de huida, a song inspired by his experience of emigrating from Cuba and his search for freedom, turning that experience into material for artistic creation and the starting point of a new chapter in his work.
3 Questions:
1. Your music has its own identity and emotional world. What experiences, influences, or moments have shaped the artist you're becoming, and how do you want listeners to feel when they discover your music?
I have a song that says: "Everything I saw brought me to this place." I think every experience I've lived through, both the good and the bad, has gone into building the person and the artist I am today. The music that at some point helped me get through my worst moments ended up becoming, in some way, part of my own songs. Everything I listened to, everything that moved me, and everything that made me feel something left a mark on the way I understand and make music. I'd like for anyone hearing my music for the first time to feel reflected in it. That's where the cycle completes itself, when a song finds new meaning in someone else's life.
2. When you're creating a new song, where does the process usually start for you: a feeling, a story, a melody, a sound, or something else? And how do you know when a song is really finished?
Everything starts from a need. It's not really a pleasant process. It feels like having a knot in your chest that you start untangling little by little on the guitar. Then there's a point where you feel there's nothing left to say, and the song is finished. That's when the satisfaction comes: from having managed to get that out of me and seeing how I was able to create something beautiful, seemingly out of nothing.
3. What kind of artist do you ultimately want to become, not just musically but culturally, and what do you hope people remember about your work?
I just hope my music comes to mean for other people what the work of the artists who shaped my life and career meant to me. I want my work to be remembered for its sincerity and for the search for beauty in pain, in darkness, and in rage, but also in light.
(ES)
Localización: Cuba / República Dominicana
Géneros: Rock / Pop / Folk / Indie Latino-Americano
Canción a escuchar: "Ritual de Huida"
Sobre Manuel Leandro
Manuel Leandro es un cantautor, guitarrista y compositor cubano con más de una década de trayectoria. Su obra transita entre la canción de autor, la trova, el folk latino, y el rock con raíz latinoamericana, con una marcada sensibilidad poética y una exploración constante de temas como el amor, la identidad, la libertad y la condición humana.
Su trayectoria artística también está vinculada a la literatura y la promoción de la nueva canción cubana. En 2012 publicó Quiero una canción: jóvenes trovadores cubanos, una antología de nuevas voces de la canción cubana que compiló para Ediciones La Luz, con prólogo de Víctor Casaus. Posteriormente publicó Del aire soy, un cancionero que reúne composiciones de su autoría, también bajo el sello Ediciones La Luz.
A lo largo de su carrera ha compartido escenarios con figuras de la canción latinoamericana como Cecilia Todd, Sandino Primera, Ricardo Flecha y Augusto Blanca, entre otros.
En 2023 presentó Mortal, su primer álbum de estudio, publicado por BIS Music y producido junto a Javier Pérez Rey. El álbum fue incluido entre los nominados a los Premios Cubadisco 2023 en la categoría de Nueva Trova.
Actualmente radicado en República Dominicana, Manuel Leandro desarrolla una nueva etapa de su carrera marcada por la emigración y la reconstrucción personal. En 2026 presentó Ritual de huida, una canción inspirada en su experiencia de emigrar de Cuba y en la búsqueda de libertad, convirtiendo esa experiencia en materia de creación artística y en el punto de partida de una nueva etapa de su obra.
3 Preguntas:
1. Tu música tiene una identidad y un mundo emocional propios. ¿Qué experiencias, influencias o momentos han dado forma al artista en el que te estás convirtiendo, y cómo quieres que se sientan los oyentes cuando descubran tu música?
Tengo una canción que dice: “Cada cosa que vi me trajo a este lugar”.
Pienso que cada experiencia que he vivido, tanto las buenas como las malas, ha ido construyendo a la persona y al artista que soy hoy. La música que en algún momento me ayudó a atravesar mis peores momentos terminó convirtiéndose, de alguna manera, en parte de mis propias canciones. Todo lo que escuché, todo lo que me conmovió y todo aquello que me hizo sentir dejó una huella en mi manera de entender y hacer música.
Me gustaría que cuando alguien escuche mi música por primera vez se sienta reflejado. Es ahí donde se completa el ciclo, cuando una canción encuentra un nuevo significado en la vida de otra persona.
2. Cuando estás creando una canción nueva, ¿por dónde suele comenzar el proceso para ti: un sentimiento, una historia, una melodía, un sonido o algo más? ¿Y cómo sabes cuándo una canción está realmente terminada?
Todo comienza a partir de una necesidad. No es un proceso agradable, realmente. Se siente como tener un nudo en el pecho que empiezas a desenredar poco a poco en la guitarra.
Luego hay un punto en el que sientes que no queda nada más que decir y la canción está terminada. Es ahí cuando llega la satisfacción: por haber logrado sacarme eso de adentro y ver cómo pude crear algo hermoso, aparentemente de la nada.
3. ¿Qué tipo de artista quieres llegar a ser en última instancia, no solo musicalmente, sino también culturalmente, y qué esperas que la gente recuerde de tu trabajo?
Yo solo espero que mi música llegue a significar para otras personas lo que significó para mí la obra de los artistas que marcaron mi vida y mi carrera.
Quiero que de mi trabajo se recuerde la sinceridad y la búsqueda de la belleza en el dolor, en la oscuridad y en la rabia, pero también en la luz.
Von Pluma
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(EN)
Location: Chile
Genres: Grunge / Alternative Rock / Rock
Songs to Check Out: Never (EN) | M.Q.L.M (ES)
About Von Pluma
Von Pluma is a rock band from southern Chile formed by brothers Zackary Konow (bass and vocals) and Oliver Konow (drums), together with Marcelo Meza Almonacid (guitar), Nicolás Ignacio González Cid (guitar), and Pablo Raimundo González Cid (keyboard).
With more than six years together as a band and over a decade of combined musical experience among its members, Von Pluma builds its sound from a broad rock tradition that bridges 1970s rock with '90s alternative rock and grunge, while also drawing in elements of Argentine rock and other influences that span the different generations within the band.
Their sound is defined by contrast: intensity and restraint, distortion and space, force and moments of intimacy. Their songs explore themes like identity, inner conflict, faith, and the search for meaning, aiming to keep an honest connection between the music and what inspires it.
In 2025 the band released Bloody Tree, their second LP, along with the EP Exploratoria. Recent milestones include shows alongside artists like Lucybell, Joe Vasconcellos, Chinoy, and We Are The Grand, as well as appearances at the Festival Osorno de la Leche y la Carne 2025 and the Festival Los Lagos 2025 at Teatro del Lago.
A turning point in their development was working with producer and musician Alain Johannes, an experience that opened up new perspectives for the band around songwriting, arrangements, and production.
3 Questions:
1. Five members, five minds — what does the process look like when a song starts to take shape?
Zack is our songwriter, but we really like working as a team on the structure and final result of each song. It's important to us that Von Pluma is a band, not a solo project backed by musicians. The idea is that everyone who's part of the project has a voice and can contribute to shaping the sound.
That's also why we believe Von Pluma's sound is constantly evolving. The band we are today wouldn't necessarily sound the same with different members tomorrow, and we see that as a good thing. Each person who joins should be able to leave something of themselves in the music, rather than just executing an arrangement that's already set in stone.
We also try to work from a place of respect and experimentation. If someone disagrees with an arrangement, the idea is to hear them out and try it. Even if we're not convinced at first, we'd rather play it, hear what happens, and discuss it from there. A lot of the time, the song itself ends up giving us the answer.
2. Working with Alain Johannes on production marked a before-and-after for you — what changed the most from that experience, as a band or as musicians?
Working with Alain was a huge learning experience, mainly because he showed us how production can deeply shape a song without stripping away its identity. We never felt like he was imposing his own vision — he folded himself into the process and knew how to listen to what the song needed.
It was especially great watching Alain and Zack work side by side on arrangements, and how decisions took shape through conversation and music. His way of working felt much more like being a member of the team than the distant figure of "the producer."
He also gave us the freedom to make choices we might not have allowed ourselves before, like working with or without a click track depending on what the song needed. He helped us understand that music has to be honest, and that not everything needs to be perfectly quantized to work. This is rock and roll, not a demonstration of sterile perfection.
We also learned a huge amount about vocal production, arrangements, and above all, when to step in and when to simply let the music speak.
3. If you had to stop playing grunge tomorrow and make one album in a completely different genre, which would you choose and why?
It would probably be different for each member. Some of us come more from prog or jazz fusion, others from indie, others from different branches of rock, and we'd probably all give completely different answers. So rather than pick a specific genre, we think what matters is what's behind the label.
Maybe "grunge" is just the easiest way to put a name on the convergence of all our influences. For us, genre is secondary to the music being honest and having something to say. If tomorrow we ended up making folk, prog, indie, or anything else, we'd probably still be looking for the same thing: for the song to have identity, to genuinely move us, and to not just be background music.
In the end, what interests us is making music that transcends genre. If a song is good, honest, and has something to communicate, it can find its own way.
(ES)
Localización: Chile
Géneros: Grunge / Rock Alternativo / Rock
Canciones del repertorio a escuchar: Never (EN) | M.Q.L.M (ES)
Sobre Von Pluma:
Von Pluma es una banda de rock del sur de Chile formada por los hermanos Zackary Konow (bajo y voz) y Oliver Konow (batería), junto a Marcelo Meza Almonacid (guitarra), Nicolás Ignacio González Cid (guitarra) y Pablo Raimundo González Cid (teclado).
Con más de seis años de trayectoria como banda y más de una década de experiencia musical entre sus integrantes, Von Pluma construye su sonido desde una amplia tradición rockera que conecta el rock de los años 70 con el rock alternativo y el grunge de los 90, incorporando también elementos del rock argentino y otras influencias que atraviesan las distintas generaciones de sus integrantes.
Su propuesta se caracteriza por el contraste: intensidad y contención, distorsión y espacio, fuerza y momentos de intimidad. Sus canciones abordan temas como la identidad, el conflicto interior, la fe y la búsqueda de sentido, buscando mantener una conexión honesta entre la música y aquello que la inspira.
En 2025 la banda lanzó Bloody Tree, su segundo LP, además del EP Exploratoria. Entre sus hitos recientes se encuentran presentaciones junto a artistas como Lucybell, Joe Vasconcellos, Chinoy y We Are The Grand, su participación en el Festival Osorno de la Leche y la Carne 2025 y en el Festival Los Lagos 2025 en el Teatro del Lago.
Un momento decisivo en su desarrollo fue el trabajo junto al productor y músico Alain Johannes, experiencia que abrió nuevas perspectivas para la banda en torno a la composición, los arreglos y la producción.
3 Preguntas:
1. Cinco integrantes, cinco cabezas — ¿Cómo se ve el proceso cuando una canción empieza a tomar forma?
Zack es nuestro compositor, pero nos gusta mucho trabajar en equipo la estructura y el resultado final de cada canción. Para nosotros es importante que Von Pluma sea una banda y no un proyecto solista acompañado por músicos. La idea es que todos los que forman parte del proyecto tengan voz y puedan aportar a la construcción del sonido.
Por eso también creemos que el sonido de Von Pluma está en constante movimiento. La banda que somos hoy no necesariamente sonaría igual con otros integrantes mañana, y eso nos parece algo positivo. Cada persona que se incorpora debería poder dejar algo de sí en la música, en lugar de limitarse a ejecutar un arreglo ya definido.
También intentamos trabajar desde el respeto y la experimentación. Si alguien tiene una diferencia respecto de un arreglo, la idea es escucharla y probarla. Incluso si inicialmente no nos convence, preferimos tocarla, escuchar qué sucede y después discutir desde ahí. Muchas veces la propia canción termina dándonos la respuesta.
2. Trabajar con Alain Johannes en la producción marcó un antes y un después para ustedes — ¿Qué es lo que más les cambió esa experiencia, como banda o como músicos?
Trabajar con Alain Johannes en la producción marcó un antes y un después para ustedes — ¿Qué es lo que más les cambió esa experiencia, como banda o como músicos?
Trabajar con Alain fue un tremendo aprendizaje, principalmente porque nos mostró cómo una producción puede influir profundamente en una canción sin quitarle su identidad. Nunca sentimos que estuviera imponiendo una visión; más bien, se integró al proceso y supo escuchar lo que la canción necesitaba.
Fue especialmente bacán ver el trabajo de Alain y Zack codo a codo en los arreglos, y cómo las decisiones se iban construyendo desde la conversación y la música. Su manera de trabajar fue mucho más cercana a la de un integrante del equipo que a la figura distante de «el productor».
También nos dio libertad para tomar decisiones que antes quizás no nos habríamos permitido, como trabajar con o sin click track dependiendo de lo que necesitara la canción. Nos ayudó a entender que la música tiene que ser honesta y que no todo tiene que estar perfectamente cuantizado para funcionar. Esto es rock and roll, no una demostración de perfección estéril.
Además, aprendimos muchísimo sobre producción vocal, arreglos y sobre todo sobre cuándo intervenir y cuándo simplemente dejar que la música hable.
3. Si tuvieran que dejar de tocar grunge mañana y hacer un solo disco en un género completamente distinto, ¿Cuál elegirían y por qué?
Probablemente sería distinto para cada integrante. Algunos venimos más del prog o jazz fusión, otros del indie, otros de distintas ramas del rock, y seguramente podríamos encontrar respuestas completamente diferentes. Por eso, más que elegir un género específico, creemos que lo importante es lo que hay detrás de la etiqueta.
Quizás «grunge» es simplemente la manera más fácil de ponerle un nombre a la convergencia de todas nuestras influencias. Para nosotros, el género es secundario frente a que la música sea honesta y tenga algo que decir. Si mañana termináramos haciendo folk, prog, indie o cualquier otra cosa, probablemente seguiríamos buscando lo mismo: que la canción tenga identidad, que nos toque de verdad y que no sea simplemente música de fondo.
Al final, nos interesa hacer música que trascienda el género. Si una canción es buena, honesta y tiene algo que comunicar, puede encontrar su propio camino.
The Overlook
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(EN)
Location: DC/Baltimore | USA
Genre: Indie Rock
Influences: The Strokes, The Butlers, Flipturn, The Backseat Lovers
Song to Check Out: “Rhino”
About
The Overlook formed at the University of Maryland in 2024. The band consists of vocalist and guitarist Patrick Scott, bassist Ryan Jaikeran, drummer Aditya Krishnamoorthy, guitarist Connor Kennedy, and guitarist Sean Wells. Starting out playing cover shows at dive bars around the Baltimore area, the band would slowly accrue a solid repertoire of original songs, ranging from barnburners like Ravens On The Wall to wistful pieces like Tension. From the Pearl Street Warehouse on DC’s waterfront to the iconic Ottobar in Baltimore, The Overlook has garnered a reputation for captivating performances throughout the DMV.
3 Questions:
1. Be honest — who in the band is the biggest menace on a night out?
After much deliberation (not really, *laugh*) we all can agree that Sean is the biggest instigator in those situations.
2. What’s the weirdest place or situation where you’ve ever come up with a song idea?
Patrick: Honestly in the shower, a few years back I came up with arguably the favorite lyrics I’ve ever written by just rhyming to myself in the shower… (Still waiting on a Sean version of an answer…)
3. If you could steal one skill from another member of the band, what are you taking?
Patrick: “Can I take Aditya’s dashing good looks? It’s not a skill really but more of a gift.”
Ryan: “Patrick’s voice.”
Aditya: “Ryan’s ability to play “Higher Ground” on bass.”
Connor: “I just wanna be Ryan.”
Sean: “Ryan’s Super Smash Bros ability, he’s a machine.”
And Sean’s songwriting answer is: “Nana’s bedroom.”
(ES)
Localización: DC/Baltimore
| EEUU
Género: Indie Rock
Influencias: The Strokes, The Butlers, Flipturn, The Backseat Lovers
Canción para escuchar: “Rhino”
Sobre la Banda
The Overlook se formó en la Universidad de Maryland en 2024. La banda está integrada por el vocalista y guitarrista Patrick Scott, el bajista Ryan Jaikeran, el baterista Aditya Krishnamoorthy, el guitarrista Connor Kennedy y el guitarrista Sean Wells.
Comenzando con presentaciones de covers en bares pequeños de la zona de Baltimore, la banda fue desarrollando poco a poco un sólido repertorio de canciones originales, que van desde temas explosivos como “Ravens On The Wall” hasta piezas más nostálgicas como “Tension”.
Desde Pearl Street Warehouse, frente al agua en DC, hasta el icónico Ottobar en Baltimore, The Overlook se ha ganado una reputación por ofrecer presentaciones cautivadoras en toda la región del DMV.
3 Preguntas:
1. Sean honestos: ¿Quién es el mayor peligro cuando salen de noche?
Después de mucho deliberar (no realmente, jaja), todos podemos estar de acuerdo en que Sean es quien más provoca y arma situaciones cuando salimos.
2. ¿Cuál es el lugar o la situación más extraña en la que se les haya ocurrido una idea para una canción?
Patrick: Honestamente, en la ducha. Hace unos años, se me ocurrieron algunas de las letras que probablemente sean mis favoritas de todas las que he escrito, simplemente rimando conmigo mismo en la ducha… (Todavía estoy esperando una respuesta de Sean a esta pregunta…)
3. Si pudieran robarle una habilidad a otro miembro de la banda, ¿Cuál elegirían?
Patrick: “¿Puedo quedarme con la buena apariencia de Aditya? No es realmente una habilidad, sino más bien un don.”
Ryan: “La voz de Patrick.”
Aditya: “La capacidad de Ryan para tocar ‘Higher Ground’ en el bajo.”
Connor: “Solo quiero ser Ryan.”
Sean: “La habilidad de Ryan en Super Smash Bros.; es una maquina.”
Y la respuesta de Sean sobre su lugar más extraño para componer una canción es: “El dormitorio de mi Nana.”
BRUNO
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(EN)
Location: Dominican Republic
Genre(s): Salsa / Son / Fuson
Song to check out: “Vamos Hablar”
About Bruno
Bruno, Juan Andrés Vásquez Amaro | A Bohemian Sonero
From a young age, Juan Andrés showed a deep passion for music. He took his first steps into the musical world at church, where he was introduced to his first instrument: the guitar.
With a natural charisma and a unique style in every performance, he has become a favorite among those who have had the opportunity to experience his music. His talent has taken him to renowned stages, where he presents a diverse repertoire that includes fusion, salsa, boleros, ballads, son, rock, and bohemian music.
Thanks to his versatile voice and distinctive personal style, he has captivated a diverse audience, earning the appreciation of the supporters who listens to him.
3 Questions:
1. How have the different places and communities you have been part of influenced the way you express yourself creatively?
Each place and each community has left me with a different way of feeling music. The Dominican Republic, its neighborhoods, its bohemian spirit, son, salsa, bolero, and that uniquely Dominican way of telling stories have given me a very strong sense of identity.
But the people I have met, the stages where I have performed, and the different experiences I have had throughout my life have also shaped the way I interpret music.
I don’t just try to sing a song; I try to tell the story of what that song makes me feel and connect with the person listening to it.
2. What is something you would never want to lose as your artistic career continues to grow?
I would never want to lose my authenticity. I never want growth, bigger stages, recognition, or opportunities to make me forget why I started.
I want to continue having the freedom to sit down with a guitar, sing a bolero, play a son, or simply share music with the same passion I had when no one was watching.
To me, growing doesn’t mean becoming someone else; it means bringing who I am to bigger and bigger places.
3. What side of you only comes to light when you are making music?
There is a side of me that is much more vulnerable, sentimental, and free. When I make music, I can say things that I might not normally say when I’m just talking.
Music allows me to open up my emotions, remember, love, miss someone, celebrate, and even heal.
It’s probably the moment when I am most truly Bruno, because I stop overthinking and simply feel.
(ES)
Localización: República Dominicana
Genero(s): Salsa / Son / Fuson
Canción a escuchar: “Vamos Hablar”
Sobre Bruno
Dominicano. Vocalista, Compositor y Instrumentista. (Guitarra/ Tres Cubano / Maracas / Cencerro)
Bruno, Juan Andrés Vásquez Amaro. | Un Bohemio Sonero.
Desde joven, Juan Andrés mostró una profunda pasión por la música. Sus primeros pasos en el mundo musical los dio en la iglesia, donde conoció su primer instrumento: la guitarra.
Con un carisma natural y un estilo único en cada presentación, se ha posicionado como uno de los favoritos entre quienes lo conocen. Su talento lo ha llevado a escenarios reconocidos, presentando un variado repertorio que incluye fusión, salsa, boleros, baladas, son, rock y bohemia.
Gracias a su voz versátil y su estilo personal, ha logrado cautivar a una audiencia diversa, ganándose el aprecio de quienes lo escuchan.
3 Preguntas:
1. ¿Cómo han influido los diferentes lugares y comunidades de los que has formado parte en la manera en que te expresas creativamente?
Cada lugar y cada comunidad me han dejado una manera distinta de sentir la música. La República Dominicana, sus barrios, su bohemia, el son, la salsa, el bolero y esa forma tan nuestra de contar historias me han dado una identidad muy marcada.
Pero también las personas que he conocido, los escenarios donde he cantado y las diferentes experiencias de vida han ido moldeando mi forma de interpretar.
Yo no intento solamente cantar una canción; intento contar lo que esa canción me hace sentir y conectar con quien la escucha.
2. ¿Qué es algo que nunca quisieras perder a medida que crece tu carrera artística?
Nunca quisiera perder la autenticidad. Que el crecimiento, los escenarios grandes, el reconocimiento o las oportunidades nunca me hagan olvidar por qué comencé.
Quiero seguir teniendo la libertad de sentarme con una guitarra, cantar un bolero, hacer un son o simplemente compartir música con la misma pasión que cuando nadie estaba mirando.
Para mí, crecer no significa dejar de ser quien soy, sino llevar quien soy a lugares cada vez más grandes.
3. ¿Qué lado de ti solo sale a la luz cuando estás haciendo música?
Hay un lado de mí mucho más vulnerable, más sentimental y más libre. Cuando hago música puedo decir cosas que quizás hablando normalmente no diría.
La música me permite desnudar emociones, recordar, amar, extrañar, celebrar y hasta sanar.
Es probablemente el momento donde más Bruno soy, porque dejo de pensar tanto y simplemente siento.